Il fotografo sudafricano Pieter Hugo punta il suo obiettivo su realtà ai margini della società. Il giovane Pieter (1976) nasce a Joannesburg e cresce a Cape Town- dove continua a vivere-. L' Africa è al centro della sua indagine rivolta alla realizzazione di progetti fotografici a lungo termine. Con la sua Hasselblad formato 4x5, mette a fuoco concetti come l'identità e l'alterità. Pieter inizia a fotografare all' età di 10 anni. E' un autodidatta. Fotoreporter di formazione, realizza con stile documentaristico i primi lavori di denuncia. Le sue foto dei primi anni mostrano le ferite che affliggono l'Africa come altri paesi in via di sviluppo, Rwanda 2004: Vestiges of a Genocide, Malawi 2003: Tuberculosis and guardian care... Inchieste per immagini sugli schiavi bambini del Sudan, i campi profughi in Italia, gli ospedali psichiatrici carcerari in Sud Africa...Le immagini di Hugo appaiono su riviste e quotidiani -The New Yorker, New York Times Magazine, The Observer, The Indipendent,etc... -collabora e realizza progetti per enti internazionali come UNICEF, Anti-Slavery International. Ma Pieter decide presto di allontanarsi dai servizi commissionati per intraprendere un personale percorso di ricerca, in cui fonde lavori più artistici e sperimentali continuando a mettere sempre a fuoco condizioni di disagio ed emarginazione. Hugo ha pelle chiara, capelli biondi e pungenti occhi azzurri. In un' intervista, tra il serio e il faceto, ha dichiarato che il suo interesse per le minoranze e le diversità, ha una valenza autobiografica generata dal suo sentirsi " africano" e dall' impossibilità, a causa del suo aspetto, d'essere riconosciuto come tale in Africa. Looking Aside ( 2002-04), ritratti di albini fotografati in giro per il mondo, è il primo mirabile lavoro che Hugo intraprende liberamente. Ritratti in cui la pellicola sembra proteggere la fragilità e la diversità delle persone ritratte, e al tempo stesso svela la profondità celata dietro lo sguardo di ciascun soggetto. L'osservatore si ritrova inesorabilmente in un dialogo a tu per tu con persone da cui normalmente distoglie lo sguardo.

Nel 2007 Hugo vince la sezione Ritratti del World Press Photo Award con il progetto The Hyena Men Series II. Accattivante e ipnotica serie sul modo di vivere dei domatori di iene nigeriani. Pieter Hugo ha seguito le loro esibizioni tra i villaggi della Nigeria, vivendo a stretto contatto –per oltre 10 giorni- e viaggiando con loro a bordo dei taxi-bus con iene, babbuini e pitoni. Immagini sorprendenti, sullo stile di vita dei " beastie boys", giovani dell' etnia Hausas, domatori di iene e venditori ambulanti di amuleti e pozioni magiche che si esibiscono in performance con gli animali ammaestrati lungo le strade di città e villaggi.

Lo stile- Pieter Hugo declina, sovverte e reinterpreta, con stile personale la fotografia documentaria e ritrattistica. Potremmo dire che la "periferia" è al centro della sua ricerca artistica insieme ad ogni contesto in cui sono amplificate dissonanze, contraddizioni e sfumature culturali del nostro tempo. Hugo è un autore che s' immerge letteralmente all' interno delle situazioni che sceglie di raccontare, confrontandosi in prima persona con la realtà su cui punta l' obiettivo. Con i soggetti che rappresenta crea un'interazione visibile e determinante per il risultato delle immagni. Diventa lui stesso parte di ciò che lo circonda e questa emapatia si riflette nelle foto. Hugo dialoga intimamente con i soggetti ritratti, che non sono mai figure passive dell' immagine, ma sono colti e presentati al pubblico nella loro singolare individualità. E' anche noto per essere un perfezionista, la cui sensibilità estetica lo spinge a trascorrere molte ore in laboratorio per ottenere la stampa perfetta di ciascuna immagine.

Pieter Hugo – Permanent Error è la mostra in corso fino al 29 Aprile 2012 al MAXXI di Roma -all' interno dell' eclettica iniziativa espostiva RE – CYCLE , "mappa contemporanea del riciclo come strategia creativa"-. 27 immagini che mostrano la vastità smisurata della discarica in Ghana di materiali e dispositivi elettronici, che giungono in Africa dal mondo occidentale. In questo desolante panorama dalle atmosfere mefitiche, tra fuochi e fumi tossici, si aggirano figure umane dalle apparenze spettrali, smarrite e senza contorni. Pieter Hugo restituisce in queste immagini dignità e nome alle persone fotografate.

Info. www.pieterhugo.com

www.fondazionemaxxi.it/2011/12/01/pieter-hugo-permanent-error

Una retrospettiva che rende omaggio al "pioniere della fotografia a colori" . L' esposizione presenta 400 opere in una combinazione in cui dipinti e stampe fotografiche inedite si alternano per celebrare l' opera del fotografo e pittore Saul Leiter (88anni). Immagini in bianco e nero e a colori si affiancano alle foto di moda, alle tele di nudo, a disegni e bozzetti.Stile- Saul Leiter con il suo obiettivo coglie scorci di vita urbana e li mostra come fossero frammenti di racconti privati. Non vediamo mai chiaramente i volti di persone che avanzano più o meno frettolosamente per le strade, colte sempre nella loro singolarità, alle volte sotto un ombrello- tema ricorrente- dai toni accesi mentre scroscia una pioggia battente. Postini che consegnano la posta, donne immerse nella lettura sedute al tavolino di un caffè, passeggeri sprofondati sul sedile di un taxi...il tempo si dilata nelle immagini di Leiter e le persone s' intuiscono in foto dalle atmosfere rarefatte e filtrate dai riflessi di una vetrina, da vetri ricoperti di condensa, velate dai fiocchi di neve. Nella street photography di Leiter, il paesaggio è fluido, sospeso tra un linguaggio astratto e figurativo, è pittura che si trasfroma in fotografia. Tempo spazio e persone appaiono parziali, velati o moltiplicati da specchi frammentati. Di rado vediamo figure intere, il più delle volte sono troncate da un profondo gioco di ombre e chiaroscuri. La mancanza di dettagli chiari, la sfocatura di movimento e la riduzione della profondità di campo, creano uno spazio urbano semi-astratto. Dominano su contorni sfumati, contrasti di colori dalle tinte intense. Il giallo di un taxi, il rosso delle scritte dei cartelloni pubblicitari, il viola di un ombrello...sono i vivaci protagonisti di queste foto, che bilanciano e stemperano i silenzi delle persone, ritratte quasi sempre in pose assorte o sfuggenti. Leiter trasforma attimi di ordinaria quotidianeità, in racconti intimi, carichi di un'armonia elegante, spontanea e allegra. Il soggetto della sua ricerca è l'esperienza visiva urbana non la gente per strada. Le sue opere si presentano al pubblico come pause di riflessione. Una riflessione positiva, mai melanconica. Leiter è definito dalla critica come un poeta "della visuale urbana", l' architettura urbana, finestrini di macchine e pullman, semafori e vetrine, non sono oggetti inanimati, ma elementi che il suo obiettivo dota di un lato emotivo. Le inquadrature e le sfumature di colore che il suo sguardo cattura, riflettono l' influenza della pittura astratta ed espressionistica cui aderisce al suo arrivo a New York, anche la composizione verticale -che privilegia nei suoi scatti-, deriva dal suo iniziale approccio pittorico. E' il suo istinto di pittore che lo porta a dare enfasi sulla superficie, l'ambiguità spaziale e una lussureggiante e calibrata tavolozza. In mostra anche le opere più recenti che continua a prendere per le strade del suo quartiere nell'East Village di New York. 
Leiter declina nelle sue opere la sofistica bellezza del vivere quotidiano, tra pulsanti momenti di silenzio carichi di una vibrante gioia di vivere.

Biografia- Saul Leiter (1923, Pittsburgh) figlio e nipote di rabbini emigrati negli Stati Uniti dall'Est europeo, è destinato al rabbinato. E' un giovane pittore autodidatta di 23 anni, quando nel 1946 compie una fuga notturna e si trasferisce a New York per seguire la sua passione per la pittura. Nella grande mela frequenta e si confronta con Rothko e gli espressionisti astratti, e scopre il lavoro Henri Cartier-Bresson visitando una mostra al MoMa. Da quel momento decide di ampliare il suo percorso artistico attraverso la macchina fotografica. Oggetto delle sue prime opere in bianco e nero, sono le strade del quartiere in cui vive. Inizia sin da subito ad utilizzare il colore, usato fino a quel momento per la pubblicità commerciale e nella moda, da qui la definizione di pioniere. Durante la sua carriera di fotografo collabora con Life, Harper's Bazaar, Esquire. Presto i più importanti musei come l' Art Institute di Chicago e il MoMa gli dedicano delle personali. Nel 1981 decide di ritirarsi a vita privata.

SAUL LEITER
RETROSPECTIVE

fino al 15 Aprile 2012 presso THE HOUSE OF PHOTOGRAPHY di Amburgo

www.deichtorhallen.de/index.php?id=222&;L=1

Termina oggi l' interessante mostra che indaga il ruolo della fotografia in Italia tra il XIX- XX e la sua relazione con le altre arti. La mostra si articola in sette sezioni in cui le opere fotografiche sono esposte in un virtuoso dialogo con tele, studi su china, incisioni, sculture...A partire dagli albori della fotografia, in cui le immagini sono un momento propedeutico alla pittura, per continuare ai primi sviluppi di autonomia di questo "nuovo " linguaggio artistico, continuando attraverso la sperimentazione, fino alle opere dei maggiori fotografi contemporanei. Sottolineando il passaggio tra crisi del figurativo e svolta futurista che aprirà la strada all' arte moderna.

Tra i dipinti accostati alle immagini, il pubblico si troverà davanti l' emozionante studio su carboncino di Giuseppe Pellizza da Volpedo su La piazza di Volpedo in giorno di fiera -1890, così come i particolari dello Studio di folla, con contadini in un giorno di mercato 1889 – 1899 che anticipano la tela simbolo dei lavoratori e del diritto allo sciopero, Il Quarto Stato. Sulle parete si alternano i primi ritratti fotografici alle tele di Boccioni che richiamano gli studi sul fotodinamismo di Anton Giulio Bragaglia, i lavori di Primo Sinopico, Cagnaccio di San Pietro, Gustavo Bonaventura, o le sculture di Medardo Rosso- tra le novità esposte nel nuovo allestimento della GNAM- come la serie Ecce Puer 1906.

Tra le opere dei fotografi contemporanei può apparire eccessiva e sfacciata la presenza di Luigi Ontani. Si ha l' opportunità d' incontrare i tenui toni di alcune stampe originali di Luigi Ghirri, come la coppia di spalle ritratta mentre passeggia sul verde prato tenendosi per mano, in una giornata di cielo terso in "Alpe di Siusi (Ortisei) 1979 ". Nella sala dedicata principalmente alle stampe in bianco e nero, e ai disegni a carboncino, scende dal soffitto, una discreta e affascinante opera di Bruno Munari, una delicata ellisse di nylon, che gira e vortica lentamente creando delle ipnotiche e mai uguali ombre che si riflettono sulla parete.

Info http://www.gnam.beniculturali.it/

Retrospettiva per presentare in Europa la vasta e provocante opera di Ai Wei. Il protagonista della scena dell'arte Indipendente Cinese che non può essere imprigionato in una definizione. Architetto, artista concettuale, scultore, fotografo, blogger, "twitterer", attivista politico....Sensibile osservatore delle dinamiche sociali e networker. Abile comunicatore, autore di lunghi progetti in cui il proprio vissuto personale è al centro della sua espressività artistica. Attivista e dissidente moderno, artista, non chiuso in musei e gallerie, schierato nel denunciare la violazione dei diritti civili in Cina. Ai Wei è una figura in grado di provocare con pochi essenziali gesti. Semplicità e incisività sono la cifra stilistica del suo stile ribelle.

Nella serie Study of Perspective, ritrae luoghi simbolo del potere in giro per il mondo- dalla Torre Eiffel al mausoleo di Mao- con il proprio dito medio alzato che fa da punctum della foto.

L' impegno di Ai Wei diventa più impellente e diretto nelle sue forme di contestazione, dopo il catastrofico terremoto del 2008 nella provincia di Sichuan- al centro della Cina-. Si reca nella zona e ne documenta la devastazione e constata dalle macerie, che le scuole crollate sono state costruite senza rispettare le norme anti-sismiche. Nessun edificio governativo subisce danni. Nel tentativo di ottenere una lista degli scolari scomparsi, subisce un pestaggio della polizia. Nel primo anniversario del terremoto,dopo una lunga inchiesta riesce a pubblicare sul blog 5,385 tra i nomi dei bambini scomparsi. Da allora il governo cinese lo tiene sotto stretta sorveglianza.

Noto per le spettacolari installazioni, come l'aver coinvolto 1001 visitatori cinesi per realizzare l' opera " Fairytale" a Kassel nel 2007 o " Remembering", con cui espone 9.000 zainetti appartenuti ai piccoli alunni scomparsi proprio nel terremoto del 2008.

Il titolo " Interlacing " è un modo per focalizzare la diversità tipica del suo fare arte e sottolineare la capacità di quest'artista di creare " links", intrecci, collegamenti e legami nel suo diffondere attraverso la rete, fotografie e messaggi.

Un esempio? Ai Wei scatta con il suo cellulare e pubblica nel suo blog, le immagini del suo studio mentre viene devastato dalla polizia cinese. Il blog viene censurato quando le foto ormai viaggiano in rete.

L' esposizione presenta un'ampia selezione d'immagini inedite, oltre la collezione completa dei lavori fotografici e video.

Inquadrature semplici e tono asciutto raccontano con spirito critico la realtà come la serie Beijing Photographs ( 1993-2002). Qui con stile fotografico-documentario, illustra quotidianamente la distruzione dei quartieri tradizionali di Pechino e di altre grandi città della Cina.

Non ci sono confini nell' uso di linguaggi espressivi nei suoi lavori.

Una fotografia, non è solo immagine, ma è performance e protesta, come il ritratto della moglie a piazza Tienanmen, nel giorno dell'anniversario della repressione della primavera di Pechino. Con provocante candore, Lu Quing guarda l'obiettivo, alza la gonna e rimane di slip, in barba all' immagine di Mao alle sue spalle e al pericolo d'essere notata dalle guardie in divisa a pochi metri da lei.

Biografia d'artista-

Ai Wei (1957) è figlio del poeta Ai Quing. Dopo gli studi alla Beijing Film Accademy, nel 1978 aderisce al collettivo The Stars, che respinge il realismo sociale, in favore dell' individualismo e della sperimentazione artistica nell'arte. Dal 1983-1993 vive a New York, frequenta la Parsons School for Design. Tra i suoi amici Allen Ginsberg, Kasper Johns, Andy Warhol. Del periodo americano dice " andavo in giro senza meta con gli amici", da questo girovagare nasce " New York Photographs 1983-93 ". All' inizio ritrae principalmente se stesso, scene della sua vita all' East Village, dove vive, degli artisti cinesi che gli fanno visita nel suo piccolo appartamento e dei suoi amici. Ma non solo. Scatta più di 10.000 foto, in cui mostra anche i lati oscuri e decadenti della realtà urbana, la vita degli homeless accanto alle manifestazioni per i diritti civili per le strade insieme alle scene di repressione della polizia. Molte le corrispondenze tra queste immagini realizzate con camera analogia e le foto digitali che dal 2005 Ai Wei scatta con il suo cellulare e che oggi pubblica sul suo account Twitter.

Ad Ai Wei è proibito di lasciare la Cina, da quando lo scorso aprile è stato arrestato con oscure motivazioni, e grazie ad una mobilitazione mondiale di artisti e intellettuali, dopo tre mesi di silenzio da parte del governo cinese è stato rilasciato -dietro pagamento di un'elevatissima cauzione- lo scorso giugno.

http://www.aiweiwei.com/

Fino al 29 Aprile 2012- Ai Weiwei – Interlacing ,a cura di Urs Stahel, in collaborazione con il Fotomuseum Winterthur, presso il museo Jeu de Paume di Parigi

Info. http://www.jeudepaume.org/

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